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I. MEMORIE DELL’AVANGUARDIA
I.
MEMORIES OF THE AVANT-GARDE
Hans-Thies Lehmann
Segni teatrali del teatro post-drammatico
Il saggio
analizza i tratti stilistici caratteristici del teatro
post-drammatico. Tali tratti sono, tra gli altri: l’assenza di
sintesi; la presenza di elementi propri della tradizione
manieristica come l’avversione alla compiutezza, l’inclinazione
all’estremo, alla deformazione, al disorientamento e al
paradosso; la nuova concezione di performance text che
esso sottintende; la non-gerarchizzazione dei segni teatrali e
la loro simultaneità; l’affermazione della presenza corporea;
l’irruzione in scena. Lo scopo è quello di acquisire categorie e
criteri descrittivi che possano essere utilizzati nell’analisi
della relazione dello stesso con i segni teatrali, dove il
concetto di segno teatrale comprende tutte le dimensioni di
significatività, cioè, virtualmente, tutti gli elementi del
teatro.
Theatrical signs of post-dramatic theatre
The
essay deals with the stylistical features characteristic of
post-dramatic theatre. These features are, among the many, the
lack of synthesis, the presence of elements peculiar to the
manneristic tradition such as a dislike of completeness, an
inclination to the extreme, to distortion, to disorientation and
paradox; as well the new conception of performance text
that it implies, the non-hierachization of the theatrical signs
and their simultaneity and finally the assertion of the body;
the irruption on stage. The aim is to acquire categories and
descriptive criteria that could be used in the analysis of its
relation to the theatrical signs, where the concept of
theatrical sign includes all the dimensions of importance, that
is, virtually, all the elements of theatre.
Valentina Valentini
Alla ricerca
delle storie perdute
Tre interviste,
precedute da una introduzione, a tre registi teatrali, Federico
Tiezzi, Giorgio Barberio Corsetti e Mario Martone, pubblicate in
inglese su «The Drama Review» (1988, n. 119) e inedite in
Italia, incentrate su una questione molto dibattuta in Italia
nella metà degli anni ottanta: il ruolo riguadagnato dal testo
verbale all’interno dello spettacolo di gruppi teatrali che
avevano lavorato essenzialmente per drammaturgie spaziali,
plastiche e musicali. Le interviste dipingono un affresco
significativo dei percorsi estetici di Falso Movimento,
Magazzini ed ex La Gaia Scienza e restituiscono l’immagine di
una drammaturgia degli anni ottanta che, malgrado le ovvie
differenze interne, presenta alcuni importanti elementi comuni:
tra tutti, la tendenza ad una purificazione del palcoscenico e
alla sua liberazione dalle istanze spettacolari e visive della
stagione precedente che avevano avuto l’ambizione di unire
insieme l’arte d’avanguardia e la popolarità dei mass-media.
In
search of lost stories
Three interviews, preceded by an introduction, of three theatre
directors, Federico Tiezzi, Giorgio Barberio Corsetti and Mario
Martone, published in English in «The Drama Review» (1988, n°
119) but unpublished in Italy, centred on an argument that was
greatly debated in Italy in the mid eighties: the role regained
by the verbal text in a piece of theatre by theatrical groups
which had worked mainly for spatial, plastic and musical
dramaturgies. The interviews paint a meaningful portrait of
Falso Movimento’s, Magazzini’s and La Gaia Scienza’s aesthetic
courses, and restore the image of the dramaturgy of the
eighties. In spite of the internal differences, they present
some important common elements such as the tendency of a
purification of the stage and of its liberation from the
previous season’s spectacular and visual demands which had the
ambition of uniting avant-garde art and mass-media popularity.
Bonnie Marranca
Il Wooster Group. Un dizionario di idee
Il Wooster Group,
diretto da Elisabeth LeCompte, con Willem Dafoe e Spalding Gray
fra i fondatori, è uno dei gruppi di teatro sperimentale più
importanti della scena internazionale degli anni settanta e
ottanta. I loro spettacoli raccolgono elementi di natura
intertestuale, interculturale e intermediatica che si incontrano
con testi letterari utilizzati come database da ri-distribuire e
ri-contestualizzare. Il saggio di Bonnie Marranca, prendendo
l’avvio da questo aspetto del loro lavoro, analizza gli
spettacoli più significativi del gruppo, includendo materiali
come interviste, dialoghi, brani originali ed espone la poetica
e il pensiero teatrale del gruppo.
The Wooster Group. A dictionary of ideas
The
Wooster Group, directed by Elisabeth LeCompte, with Willem Dafoe
and Spalding Gray among its promoters, is one of the most
important experimental theatre groups in the international scene
of the seventies and eighties. Their performances gather
elements of inter-textual, inter-cultural and inter-media
nature, combining them with literary texts used as databases to
be re-distributed and re-contextualized. Bonnie Marranca’s
essay, starting from this aspect of their work, analyses the
group’s most important performances, including materials such as
interviews, dialogues, original pieces, and explains the group’s
poetics and opinion on theatre.
II.
SCRITTURE DEL PRESENTE
II.
WRITINGS OF THE PRESENT
Hans-Thies Lehmann
Quando la collera si coagula
in forma… Sull’“estetica del veleno” di Jan Fabre
Il saggio analizza il lavoro
di Jan Fabre all’interno di un’ottica di natura filosofica che
parte dal presupposto che «ogni formalizzazione di un oggetto,
anche se estetica, implica un’azione “aggressiva” di riduzione,
la costrizione della forma, un incatenamento autoritario
dell’oggetto». Il teatro di Jan Fabre, malgrado sottintenda un
evidente processo di formalizzazione geometrica,
paradossalmente, risveglia, attraverso la serialità, la
simmetria e la ripetizione, un «senso di consapevolezza per le
minime differenze, in particolare per quelle di forza e forma
del movimento» che finisce per situare il lavoro del regista
allo stesso tempo all’interno e all’esterno della nuova versione
della formula eschilea “conoscere attraverso la sofferenza”,
formula che ha acquisito una posizione significativa tra le
avanguardie del teatro moderno, che è un teatro concreto e non
rappresentativo.
When rage coagulates into form… On Jan Fabre’s “aesthetics of
poison”
The
essay analyses Jan Fabre’s work from a philosophical point of
view starting from the assumption that «any formalization of an
object, even if aesthetic, implies an “aggressive” reductive
action, the constriction of the shape, an authoritarian chaining
of the object». Jan Fabre’s theatre, although implying an
evident process of geometrical formalization, paradoxically
awakens, through seriality, symmetry and repetition a «sense of
awareness for the smallest differences, particularly for the
ones of force and form of the movement». This ends up by putting
the director’s work at the same time within and without the new
version of the Aeschyleian formula “discovering through
suffering”, a formula that has acquired a meaningful position in
the avant-gardes of modern theatre, a concrete and not
representative theatre.
Michael Haerdter
Il teatro come comunità monastica. Intervista ad
Anatolij Vasil’ev
In questa intervista, a cura di Michael Haerdter,
Anatolij Vasil’ev, uno dei più importanti registi russi del
dopoguerra, autore di spettacoli ritenuti fondamentali per la
storia del teatro russo quali In cerca della felicità,
Tre sorelle, Il matrimonio, analizza il suo
lavoro per se stesso e in rapporto alla grande tradizione del
teatro russo, dalla quale lui stesso proviene, essendo cresciuto
con Maria Knebel, allieva di Stanislavskij e avendo lavorato in
stretto contatto con artisti quali Efremov, Ljubimov ed Efros; e
in rapporto alla realtà sociale e politica della Russia tra
socialismo e perestrojka.
Theatre as a monastic community. Interview with Anatolij
Vasil’ev
This is an interview, by Michael Haerdter, of Anatolij Vasil’ev,
one of the most important Russian directors of postwar theatre,
author of performances that are considered crucial for the
history of Russian theatre such as In Search of Happiness,
Three Sisters, The Wedding. It analyses Vasil’ev’s
work in itself as well as in relation to the great tradition of
Russian theatre, from which he comes, being a contemporary of
Maria Knebel, Stanislavskij’s pupil, and having worked closely
with such artists as Efremov, Ljubimov and Efros, and in
connection with Russian society and politics between socialism
and perestrojka.
Anatolij Smelianskij
Il teatro russo nell’era post-comunista
Il saggio presenta un approfondito excursus
di natura storico-critica che analizza le trasformazioni a cui
sono andate incontro la pratica e la politica teatrale in Russia
a partire dal cosiddetto decennio post-sovietico, iniziato a
metà degli anni ottanta, attraverso gli anni di generale sfacelo
e delusione che seguirono il “disgelo” gorbachoviano, durante i
quali il teatro, con l’arrivo della libertà, venne relegato a
ruolo secondario e fortemente istituzionalizzato. Il saggio
analizza la divisione del Teatro d’Arte di Mosca in due
compagnie e lo sviluppo di realtà teatrali oggi importantissime
come il Teatro Maly di Pietroburgo di Lev Dodin, la Scuola
d’Arte Drammatica di Anatolij Vasil’ev, il Teatro Vakhtangov di
Pyotr Fomenko.
Russian theatre in the post-communist era
The
essay presents an in-depth excursus of historical-critical
nature analysing the transformations that theatre practice and
politics have undergone in Russia from the so-called post-soviet
decade, started in the mid eighties, through the years of
general breakup and disappointment that followed the Gorbachov
“thaw”, during which theatre, with the onset of freedom, was
relegated to a secondary, institutionalized role. The essay
analyzes Moscow’s Art Theatre’s division in two companies and
the development of extremely important theatres such as Lev
Dodin’s Maly Theatre in Petersburg, Anatolij Vasil’ev’s School
of Drama, and Pyotr Fomenko’s Vakhtangov Theatre.
Valentina Valentini
La catastrofe
senza qualità. I miti tragici nel teatro del XX secolo
La Fedra
di Sarah Kane e quella del Wooster Group, l’Agamennone e
il Prometeo di Rodrigo Garcia e il Filottete di
Heiner Müller (nelle sue varie messe in scena), costituiscono un
variegato insieme di spettacoli e testi per il teatro
rappresentativi delle visioni del mondo con cui lo spettatore
contemporaneo è chiamato a misurarsi/rispecchiarsi,
distanziarsi, inorridito e purificato. Come si sono trasformati
gli eroi le cui azioni i miti raccontano? Sopportano la loro
sventura o si ribellano, e quale è la causa del loro patire?
Minaccia, aggressione fisica, e psicologica: silenzi forzati e
impossibilità di esprimersi, è lo stato normale di personaggi
che sia fisicamente che psichicamente sono malati e subiscono
violenze. In questi spettacoli il rovesciamento della tragedia
in commedia produce una parodia della tensione tragica e ciò che
avviene sul palcoscenico resta disumano.
The
catastrophe without qualities. Tragic myths in 20th
century theatre
Sarah Kane’s and Wooster Group’s Fedra, Rodrigo Garcia’s
Agamemnon and Prometeus and Heiner Müller’s
Philottetes (in its various stagings), constitute varied
performances and texts for the theatre representative of the
outlooks on the world with which today’s spectator must
compete/reflect, and break off, horrified and purified. How have
the heroes whose actions are told by the myths changed? Do they
bear their misfortune or do they rebel, what is the cause of
their suffering? Threats, physical and psychological
aggressions, forced silences and impossibility to express
oneself, this is the normal state of physically as well as
mentally ill characters, who undergo violence. These
performances, turning tragedy into comedy, produce a parody of
the tragic tension, so that what happens on the stage remains
inhuman.
Josette Feral
Il teatro non ha a che fare con la teoria.
Intervista a Reza Abdoh
L’intervista, del 1994, indaga l’universo
teatrale di Reza Abdoh, fondatore di uno dei gruppi di teatro
sperimentale più importanti a New York nel decennio 1985-95: gli
argomenti affrontati spaziano dalla formazione teatrale del
regista alla scelta degli attori, dal modo in cui lavora sui
personaggi, all’uso della tecnologia, fino al rapporto,
violento, tra teatro e mondo contemporaneo.
Theatre has nothing to do with theory. Interview with Reza Abdoh
The
interview, made in 1994, investigates Reza Abdoh’s theatrical
universe. He founded one of the most important groups of
experimental theatre in New York in the decade 1985-1995: the
subjects dealt with range from the director’s theatre training
to the choice of the actors, from the method of working on the
characters to the use of technology, to the violent relationship
of theatre and today’s world.
Reza Abdoh
«Il Valzer Hip Hop di Euridice»
Questo testo teatrale del 1990 esemplifica gli
attributi stilistici che caratterizzano tutti gli allestimenti
del regista newyorkese di origini iraniane, morto di AIDS nel
1995. Esso localizza il mito di Orfeo e Euridice all’interno di
un reame immaginario che esiste fuori dal tempo, trasformando il
mito in una storia di repressione sessuale, dove Euridice viene
rapita e portata nel mondo sotterraneo come punizione per i suoi
desideri sessuali. Ricontestualizzando dialoghi presi dal film
di Dollie Parton 9 to 5 e dalla popolare serie televisiva
I Bickersons, secondo una pratica di “taglia e incolla”
comune a tutti i suoi spettacoli, Abdoh crea scene allo stesso
tempo divertenti e sconfortanti che presentano una chiara
parabola sulla repressione dell’omosessualità.
«Eurydice’s Hip Hop Waltz»
This theatrical text of 1990 illustrates the stylistic features
that characterize all the stagings by the Iranian New York
director, who died in 1995 of AIDS. It sets the myth of Orpheus
and Eurydice inside an imaginary kingdom existing out of its
time, changing the myth into a tale of sexual repression, where
Eurydice is kidnapped and brought to the underworld as a
punishment for her sexual desires. Re-contextualizing some
dialogues from Dollie Parton’s film 9 to 5 and from the
popular TV series The Bickersons, using a practice of
“cut and paste” common to all his performances, Abdoh creates
amusing and disheartening scenes representing a clear parable on
the repression of homosexuality.
Riccardo Fazi
Big Art Group: il futuro del (non) teatro
Il saggio, incentrato sul loro spettacolo più
famoso, Flicker, del 2001, analizza la pratica teatrale e
la poetica del Big Art Group, di origini newyorkesi, a partire
dalla fondazione avvenuta nel 1993 a opera del regista Caden
Manson e dello scrittore Jemma Nelson fino agli ultimi esiti di
House of No More (2004). Il gruppo sta assumendo un ruolo
sempre più importante nello sviluppo delle relazioni tra
pratiche performative e nuove tecnologie, tra teatro e mondo dei
nuovi media, soprattutto grazie all’utilizzo, per la messa in
scena di Flicker, della tecnica del Real Time Film che
sfrutta pratiche prettamente teatrali per realizzare in scena un
film dal vivo.
Big
Art Group: the future of (non) theatre
The
essay, centred on their most famous performance, Flicker,
of 2001, analyses theatre practice and poetics of the Big Art
Group, from New York, starting from its foundation in 1993 by
director Caden Manson and writer Jemma Nelson, to the latest
results of House of No More (2004). The group is assuming
an evermore important role in the development of the relations
between performance practices and new technologies, the theatre
and the world of new media. This especially for the staging of
Flicker, thanks to the use of the Real Time Film
technique, which makes use of typically theatrical practices to
realize a live film on the stage.
Riccardo Fazi
Il territorio dell’indesiderabile. Intervista a
Jemma Nelson del Big Art Group
Nell’intervista, a cura di Riccardo Fazi, Jemma
Nelson, scrittore e sound designer del Big Art Group, nonché
fondatore del gruppo assieme al regista Caden Manson, descrive
la pratica teatrale che porta alla realizzazione degli
spettacoli del gruppo: il processo di scrittura, la creazione
dal vivo del tappeto sonoro, il rapporto con le avanguardie
teatrali newyorkesi del decennio precedente, le forti
implicazioni a livello sociologico che pertengono ai temi e alle
storie raccontate in spettacoli come Flicker, Shelf
Life e l’ultimo House of No More.
The
territory of the undesirable. An interview with Jemma Nelson of
the Big Art Group
In
the interview, edited by Riccardo Fazi, Jemma Nelson, writer and
sound designer of Big Art Group, as well as founder of the group
together with director Caden Mason, describes the theatrical
practice that ends in the realization of the group performances:
the writing process, the creation of a live sound carpet, the
relationship with the New York theatre avant-gardes of the
previous decade, the strong social implications of the themes
and stories told in performances such as Flicker,
Shelf Life and the latest House of No More.
Valentina Valentini – Bonnie Marranca
L’universale, il più semplice posto possibile.
Intervista a Romeo Castellucci
In questa intervista, a cura di Valentina
Valentini e Bonnie Marranca, Romeo Castellucci descrive la
struttura della più recente fatica della Socìetas Raffaello
Sanzio, la Tragedia Endogonidia, attualmente in tournée
in tutta Europa e analizza le spinte e le motivazioni che hanno
portato il gruppo a misurarsi con la questione della tragedia,
affrontata per la prima volta nel 1995 con l’Orestea. I
temi che l’intervista tocca comprendono, in generale, il
rapporto tra teatro e città e tra teatro e arti figurative e, in
particolare, il lavoro della Socìetas con gli attori, il
rapporto con la tecnologia, l’assenza di maestri all’interno
della tradizione teatrale italiana.
The universal, the simplest possible place. Interview with Romeo
Castellucci
In
this interview, by Valentina Valentini and Bonnie Marranca,
Romeo Castellucci describes the structure of Socìetas Raffaello
Sanzio’s latest work, Tragedia Endogonidia, now in tour
all over Europe, analysing the stimuli and motivations which
made the group face the question of tragedy for the first time
in 1995 through Orestea. The themes touched on in
the interview include, generally, the relationship
between theatre and city and between theatre and figurative arts
and particularly Socìetas’ work with the actors, the relation to
technology, the lack of masters in the Italian theatrical
tradition.
Daniela Niccolò – Enrico Casagrande
Sulla necessità dello sguardo: intorno al teatro
dei Motus
Si tratta della trascrizione del seminario,
tenuto da Daniela Nicolò e Enrico Casagrande nell’ambito del
corso di Teoriche dell’immagine elettronica per lo spettacolo
(docente Valentina Valentini) all’Università “La Sapienza” di
Roma il 12 dicembre 2003. Nicolò e Casagrande sono i fondatori
della formazione riminese dei Motus, compagnia teatrale nata nel
1991 che si muove, nel nome di una contaminazione multipla e
totale di generi, letture e segni, nei territori
dell’installazione, del teatro, della performance e della
scultura scenica. Il seminario racconta la nascita, lo sviluppo
e le caratteristiche di tutte le produzioni del gruppo, a
partire da L’occhio belva del 1994 fino ad arrivare al
recente e acclamato L’ospite (2004), basato sull’opera di
Pasolini, in particolare sui suoi appunti di Petrolio.
On the need of the look: about the Motus theatre
It
deals with the transcription of the seminary, held by Daniela
Nicolò and Enrico Casagrande within the course of Theories of
electronic image for the performance (teacher Valentina
Valentini) at Rome University “La Sapienza” on December 12,
2003. Nicolò and Casagrande are the founders of the Rimini group
Motus, a theatre company created in 1991, moving, in the name of
a multiple and total contamination of genres, readings and
signs, in the territories of installations, of theatre, of
performance and stage sculpture. The seminary relates the birth,
development and characteristics of all the group’s productions,
starting from L’occhio belva (1994) to the recent and
acclaimed L’ospite (2004), based on Pasolini’s work,
particularly on his notes from Petrolio.
Natale Filice
Riti e ritmi in
Fabbrica di Ascanio
Celestini
Il saggio
analizza un testo composto dallo scrittore-attore Ascanio
Celestini, Fabbrica, allo scopo di indagare le sue
implicazioni letterarie, sia di ascendenza popolare che colta.
Utilizzando metodologie proprie dell’analisi strutturale, il
saggio delinea una proposta di approfondimento dell’immaginario
e dei temi della tradizione letteraria popolare, che solo
nell’Ottocento ha cominciato a comparire in forma scritta. Dalla
prospettiva performativa, inoltre, si opera una preliminare
distinzione, fra attori-narratori e attori narranti. I primi,
tra cui Celestini, intrattengono con la tradizione letteraria
popolare e colta, rapporti costanti ed evidenti, che si
ripercuotono sulle loro drammaturgie; i secondi, più vagamente,
riproducono forme riferibili alla tradizione orale, assumendo e
adottando varie tecniche teatrali, dalla commedia dell’arte, al
mimo corporeo astratto, alla biomeccanica, ecc.
Rites and rhythms in Ascanio Celestini’s
Fabbrica
The
essay analyses a text by the writer-performer Ascanio Celestini,
Fabbrica, with the purpose of investigating its literary
implications, both working-class and cultured. Through
methodologies that are typical of structural analysis, it
suggests a widening of the imagery as well as of the themes of
popular literary tradition, which did not appear in written form
until the XIXth century. From a performative angle, a
preliminary distinction is made between actor-storytellers and
actors who tell stories. The first, including Celestini,
maintain a constant and evident relationship with both popular
and cultured literary tradition, that has repercussions on their
theatre; the second produce vaguer forms related to the oral
tradition, assuming and adopting different theatre techniques,
from the comedy of art to abstract body mime to biomechanics,
and so on.
Claudio Dezi
Paradiso
di Giorgio Barberio Corsetti: uno spettacolo fra teatro e circo
Il saggio da un
lato esamina l’ultima fase registica di Giorgio Barberio
Corsetti, con particolare riferimento al rapporto fra “mito” e
“modernità” e alla nuova idea di drammaturgia al confine fra
teatro e arte circense; dall’altro presenta un’accurata analisi
del lavoro drammaturgico e registico per lo spettacolo
Paradiso, “ispirato” al Paradiso perduto di John
Milton e ad altri miti della cultura religiosa occidentale, che
è stato allestito nel 2004 presso il Teatro India di Roma e di
cui l’autore dell’articolo è stato testimone diretto per tutto
il periodo delle prove.
Giorgio Barberio Corsetti’s
Paradiso: a performance
between theatre and circus
The
essay examines the latest period of Giorgio Barberio Corsetti’s
work, particularly referring to the relationship between “myth”
and “modernity”, and his new idea of theatre on the edge between
theatre and circus art. The article also examines his
dramaturgic and directing work for Paradiso, a
performance “inspired” by John Milton’s Paradise Lost and
other myths of the western religious culture. Paradiso
was staged in 2004 at Teatro India in Rome and the article’s
author witnessed all its rehearsals.
Materiali
Desirée Sabatini
Moni Ovadia:
teatro della morte, teatro della vita
Ogni produzione
teatrale di Moni Ovadia evidenzia l’intenzionalità sociale e
culturale del regista ma soprattutto contiene i diversi principi
del suo fare teatro e il suo peculiare stile drammaturgico. Ne è
esempio significativo lo spettacolo Il Banchiere Errante,
di cui l’autrice del presente saggio ha seguito le prove
nell’ottobre del 2000. Un’ampia e dettagliata intervista a Moni
Ovadia consente di far emergere, dalla drammaturgia di questo
spettacolo, gli elementi che lo legano da una parte alla
tradizione teatrale ebraica e a tutto il contesto
socio-culturale del teatro yiddish, dall’altra ai principali
registi del Novecento. L’idea di sperimentazione teatrale,
aperta a diverse contaminazioni, legate insieme dalla parola,
dal racconto e dalla musica, coesiste insieme a una dimensione
politica e ideologica che si ricollega direttamente a Brecht e a
Kantor.
Moni Ovadia: theatre of death, theatre of life
Every theatrical production by Moni Ovadia highlights his social
and cultural intentions, but above all his works display the
diverse principals of his theatre and his peculiar dramatic
style. A perfect example is the play The Banker Errant,
the rehearsals of which the author of this essay attended in
October 2000. A full and detailed interview with Moni Ovadia
brings out the elements of this play which would tie him on one
hand to the Jewish theatrical tradition and the socio-cultural
aspects of Yiddish theatre, and on the other hand to the major
directors of the twentieth century. The idea of theatrical
experimentation, open to varied contaminations, brought together
by words, stories and music, coexists alongside a political and
ideological dimension directly linked to Brecht and Kantor.
Maia
G. Borelli
Appunti e
riflessioni preliminari per un percorso dal corpo artaudiano
allo spettacolo digitale
Attraverso la
rilettura di alcuni passi degli ultimi scritti di Antonin Artaud,
il saggio analizza come la nuova percezione del corpo, provocata
dal diffondersi di media digitali come telefonini, Ipod, Pc
portatili, influenzi oggi l’elaborazione di una nuova
drammaturgia teatrale.
Nella drammaturgia
contemporanea lo spettatore percepisce oggi il proprio corpo e
quello dell’attore come uniti in uno stesso spazio scenico che è
sempre più anche spazio mentale. Se l’idea classica di teatro è
ad un passo dall’autodistruzione, resta tuttavia la necessità di
ritrovare una rinnovata funzione sociale al teatro facendone uno
spazio importante di riflessione sulla contemporaneità.
Tracing a few lines from the concept of body in Artaud to
digital performance
Through a new reading of a few Antonin Artaud’s last writings,
the essay analyses changes in body perception due to the
increasing use of digital media in our daily lives, and how
these changes affect today on the creating of a new theatre.
In
contemporary theatre the spectator feels his body and the
performer’s body as joint in the same performing space, space
that is becoming more and more a mindspace. The classical idea
of theatre is on the verge of self destruction and we still need
to find a new social function to theatre as an important space
to reflect on contemporaneity. |
