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Scene
italiane e francesi negli anni venti a cura di Luisa Tinti
L’uomo senza volto.
Dalla poesia all’arte del teatro,
figura
del primo Novecento
Metafora
primo-novecentesca inquietante e talora contraddittoria, l’uomo
senza volto percorre come un filo sotterraneo la sensibilità
moderna, intrecciandosi ad altri temi e miti dell’epoca: la
maschera, l’uomo artificiale (marionetta, fantoccio meccanico,
manichino). Attraverso opere di Apollinaire, Savinio, De
Chirico, Craig, Artaud, Jarry, Bontempelli, Moscardelli, Vasari,
Decroux, Lecoq, con cenni al grottesco e all’espressionismo, si
evidenzia la duplice valenza che questa figura assume (ora
l’inconoscibilità dell’individuo in un mondo dis-umano,
alienante, ora l’Uomo essenza pura, prima di ogni esperienza
caratterizzante e per ciò stesso vincolante) e si propone una
conciliazione delle due tendenze.
Man
without face. From poetry to the art of the theatre, a topos of
the early 900
An alarming
and at times contradictory metaphor of the early 900, man
without face crosses modern sensitivity as an underground
thread, intermingled with different themes and myths of the
period: the mask, the artificial man (the puppet, the mechanical
doll). Through works by Apollinaire, Savinio, De Chirico, Craig,
Artaud, Jarry, Bontempelli, Moscardelli, Vasari, Decroux, Lecoq,
hinting at grotesque and expressionism, the twofold value of
this figure is pointed out (both the impossibility of knowing
man in an inhuman alienating world, and Man mere essence, before
any characterizing and therfore binding experience) and a
conciliation of the two trends is suggested.
La tradizione di
Charles Dullin: l’Atelier,
Ecole Nouvelle du Comédien
Per Charles Dullin la
riflessione sui percorsi creativi dell’attore e la creazione di
un luogo deputato all’educazione e alla formazione dei giovani
artisti fu premessa indispensabile per la costruzione futura di
un teatro diverso da quello esistente. Nell’Atelier di Dullin,
alla ricerca sperimentale di nuove forme espressive, influenzata
da tradizioni eccentriche rispetto alla “maniera” teatrale
dominante, si accompagnò la formulazione di un training per
l’attore fondato soprattutto sulla tecnica dell’improvvisazione,
punto di partenza dell’attore ideale, non più fedele esecutore
di una tradizione recitativa dogmatica ed atemporale, ma libero
creatore di una tradizione personale, duttile, potenzialmente
adeguata ad ogni tempo e luogo.
The
tradition of Charles Dullin: the Atelier,
Ecole Nouvelle du Comédien
For Charles
Dullin the reflection on the performer’s creative ways and the
foundation of a place assigned to the education and training of
young artists was a fundamental premise for the future building
of a theatre different from the existing one. In Charles
Dullin’s Atelier the formulation of a training for the actor,
mostly based on the technique of improvisation, starting-point
for the ideal performer, who is no longer the faithful executor
of a dogmatic and atemporal performing tradition, but the free
creator of his own personal, ductile, potentially fit to any
time or space tradition, matched the experimental search for new
forms of expresssion, affected by eccentric traditions as
compared to the dominant performance “manner”.
Il totem e il suo
doppio. Tracce antropologiche nella teatrologia artaudiana
Centrando la propria
analisi sul saggio introduttivo del Teatro e il suo doppio
di Antonin Artaud, Il teatro e la cultura, l’articolo
enuclea le nozioni antropologiche in esso contenute, in
particolare quelle di “totem” e “mana”, per chiarire da un lato
il debito di Artaud nei confronti della cultura etnologica
dell’epoca (in buona parte mediata attraverso l’ambiente
surrealista e le sue propaggini), dall’altro la particolare
declinazione o deformazione che tali concetti assumono nella
teatrologia artaudiana, in funzione di una teoria del segno
efficace e di una visione del teatro come luogo di
manifestazione del doppio.
The
totem and its double. Anthropological traces in Artaud’s
theatrical theory
Founding
the analysis on Theatre and Culture, Antonin Artaud’s
introductory essay to The Theatre and its Double, the
article states his anthropological ideas, particularly those on
“totem” and “mana”, to explain both Artaud’s debt towards the
contemporary ethnological culture (mainly mediated through the
Surrealistic milieu and its offspring), and the peculiar
decrease or distortion that these ideas undergo in Artaud’s
theatrical theory, aiming at an effective theory of the sign and
a vision of the theatre as place of displaying of the double.
Marcel Jousse e la
drammaturgia del gesto mimico
Negli ultimi anni si è
fatta strada nel settore degli studi teatrali la conoscenza del
nome e dell’opera del gesuita francese Marcel Jousse (1886-1961)
a cui si deve la formulazione teorica dell’“antropologia del
gesto”, fondata sulle leggi del mimismo, del bilateralismo e del
formulismo.
Questo saggio
ricostruisce nella prima parte le tappe fondamentali della
nascita della sua recherche, mentre nella seconda
ne segue il progetto pedagogico-gestuale, parallelo
all’itinerario di un maestro della regia come Jacques Copeau,
dal quale deriveranno le due pedagogie teatrali più vicine a
quella di Jousse: il metodo mimico di Orazio Costa e la poetica
del rejeu di Jacques Lecoq.
Marcel
Jousse and the dramaturgy of the mimic gesture
In the
field of theatrical studies the name and the work of the French
Jesuit Marcel Jousse (1886-1961) has emerged in the last years.
To him we owe the conceptual formulation of the “anthropology of
gesture”, based on the laws of the art of mimism, of bilaterism
and of formalism.
The
following essay outlines in the first part the fundamental steps
in the origin of his recherche, while following, in the
second part, its pedagogical-gestural project, parallel to the
route of a master of direction like Jacques Copeau, from whom
two theatre pedagogies of the nearest to Jousse’s derive: Orazio
Costa’s mimic method and Jacques Lecoq’s poetics of the rejeu.
I classici teatrali
nella critica di Alberto Savinio
Le cronache teatrali
pubblicate da Alberto Savinio nel settimanale «Omnibus» fra il
1937 e il 1939, oltre a recensire gli spettacoli del momento,
apportano una scrittura artistica di alta qualità e molti
giudizi e commenti culturali e di costume. L’autore ne ha
selezionato un ampio numero allo scopo di verificare il
trattamento che ricevono i classici teatrali (in senso lato),
italiani e non. Savinio, in fondo uomo dotato di una cultura di
taglio classicista e aristocratico, è molto esigente e non
risparmia a questi autori le sue critiche e le sue ironie, molto
personali, libere e senza venerazioni. Ammette gli adattamenti
delle opere antiche purché non tradiscano il senso originale,
anzi lo perfezionino. Si rivolge a lettori intelligenti, i suoi
complici, ma frusta il pubblico ignorante delle sale e se la
prende con i critici, che non educano gli spettatori.
The
theatre classics in Alberto Savinio’s criticism
The theatre
news that Alberto Savinio wrote for the weekly «Omnibus» from
1937 to 1939, besides reviewing the shows of the moment, produce
first class artistic writing and several opinions and comments
on culture and custom. The author has picked out a large number
of them so as to verify the treatment given to the theatre
classics (in a broad sense), both Italian and not. Savinio,
after all a classicist and an aristocrat, is very demanding, not
sparing these authors his personal, free criticism and ironies,
with no flattering whatsoever. He admits adjustments to ancient
works, as long as they perfect and not betray the original
sense. Savinio addresses his associates, the bright readers,
while lashing the ignorant audience of the houses and laying the
blame on the critics for not educating the spectators.
Ettore Petrolini tra
comico e drammatico: Gastone, Fortunello e il cieco Raffaele del
film Il
Cortile
L’idea di un saggio su
Ettore Petrolini nasce dalla recente scoperta del film Il
Cortile, tratto dalla riduzione teatrale, ad opera
dell’attore-autore, dell’atto unico di Fausto Maria Martini.
L’analisi del filmato, che vede Petrolini affrontare un genere
di teatro che era solito parodiare, e delle sue interpretazioni
comiche più significative, sottolinea gli elementi di fondo
della recitazione dell’attore, che dà voce, attraverso una
gestualità sobria e controllata, all’espressione di sentimenti
essenziali. Petrolini, infatti, senza operare distinzioni tra
macchiette e personaggi delle commedie regolari, costruisce un
sistema teatrale che nega la cultura a lui contemporanea.
Ettore
Petrolini between comic and drama: Gastone, Fortunello and blind
Raffaele in the film
Il Cortile
The idea of
an essay on Ettore Petrolini issues from the recent discovery of
the film Il Cortile, taken from the theatre adaptation by
the author-actor of the one-act play by Fausto Maria Martini.
The review of the film, in which Petrolini deals with a genre he
was used to parodying, and of his most significant performances,
points out the basic elements of Petrolini’s acting, expressing
simple feelings through a sober, controlled gestural
expressiveness. Petrolini does not draw distinctions between
characters and entertainers in regular plays, building up a
theatrical system that denies his contemporary culture.
Il teatro nel teatro
di Luigi Pirandello
A partire dalla seconda
metà del XIX secolo e durante la prima metà del successivo, si
sviluppano nelle diverse culture teatrali europee processi di
rinnovamento teorico e pratico che interessano tanto i
drammaturghi quanto gli scenografi, tanto i registi quanto gli
attori. Comune alle diverse teorie è l’esigenza di trovare una
nuova spazialità per l’evento teatrale.
In questo ampio processo
di rinnovamento si inserisce la drammaturgia di Luigi Pirandello
che, tuttavia, attraverso le sue tre opere di “teatro nel
teatro”, più che farsi assertore di nuove teorie, impiegando le
soluzioni della “modernità” indaga l’essenza del teatro e
costruisce i suoi giudizi estetici. Il presente saggio analizza
in particolare le relazioni che intercorrono fra plot
drammatico, connessioni spazio-temporali e forme linguistiche
del testo teatrale.
Luigi
Pirandello’s play within the play
Starting
from the second half of the XIXth, and along the first half of
the following century, several processes of theoretic and
practical renewal involving playwrights as well as stage
designers, directors as well as performers develop in the
various European theatrical cultures. Common to the different
theories is the need to find a new space for the performance.
Pirandello’s play construction fits in this ample process
of renewal, but through his three “play within the play” works,
rather than formulating new theories making use of “modernity”,
he investigates the essence of theatre and builds up its
aesthetic estimates. The following essay analyses in particular
the relations between plot, space/time connections and
linguistic patterns of the theatre text.
Materiali
I «tre campi» del lavoro dell’attore. Dialogo a
contrasto con Gerardo Guerrieri
Nell’aprile del 1980,
l’Istituto del Teatro e dello Spettacolo dell’Università di
Roma, in collaborazione con l’Assessorato alla Cultura del
Comune di Roma e il Ministero del Turismo e Spettacolo, ha
ospitato presso il Teatro Ateneo l’incontro – di cui si dà qui
trascrizione – con Vittorio Gassman nell’ambito del ciclo di
seminari scenici L’attore: tradizione e ricerca.
Attraverso il dialogo
con Gerardo Guerrieri e Ferruccio Marotti, Gassman ripercorre le
tappe fondamentali del suo lavoro di attore nel teatro e nel
cinema, affrontando problematiche importanti come la
conflittualità dell’espressione, i «tre campi» del lavoro
dell’attore (il suono, il movimento e l’anima, ma anche il
respiro), l’approccio al testo e la mimesi teatrale. Centrale
nel suo intervento è la questione della parola a teatro: Gassman,
in particolare, porta in primo piano il discorso sul rapporto
tra il testo, il gesto e la parola «suscitatrice di immagini
fisiche, auditive, olfattive, mnemoniche, tattili e anche però
una parola concettuale».
The
actor’s «three fields» of work.
Dialogue in
constrast with Gerardo Guerrieri
In April
1980 the Institute for Theatre and Performance at the University
of Roma, in cooperation with the Cultural office of the
Municipality of Rome and the Ministry for Tourism and Performing
Arts, hosted at the Ateneo Theatre a meeting with Vittorio
Gassman (here transcribed) within the cycle of seminars The
Actor: Tradition and Research.
Through the
dialogue with Gerardo Guerrieri and Ferruccio Marotti, Gassman
reviews the fundamental stages of his work as dramatic and
filmic actor, facing important issues as the conflict of
expression, the «three fields» of the work of the actor (the
sound, the movement, and the soul, but even the breath), the
approach to the text and the theatrical mimesis. A central role
in his intervention is the question of the word in the theatre:
Gassman, in particular, foregrounds the issue of the
relationship between text, gesture and the word «which conjures
up physical, auditory, olfactory, mnemonic, tactile images but
which is also a conceptual word». |
